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11 - Contenidos disponibles en español y en inglés - Availables resources in spanish and english. Compilador: Jorge T Colombo

. History - What is Photography? (English)

Breve historia de la fotografía
(Español) - Javier Calbet y Luis Castelo - La Fotografía. Acento editorial - Col. Flash. Madrid 1997. Págs.  10-21

Los antecedentes: La cámara oscura

 

Remontarnos hasta los orígenes de la fotografía tiene como motivo fundamental la búsqueda de las influencias acaecidas a lo largo de la historia por la necesidad de encontrar procedimientos mecánicos para fijar la imagen. Parece lógico pensar que la evolución de las cámaras oscuras, como instrumento empleado para dibujar de una forma realista durante el Renacimiento y en siglos posteriores, haya dejado su impronta en el tipo de imagen obtenida con las cámaras fotográficas, que son, ni más ni menos, la evolución de estas primeras herramientas del dibujo. Por otro lado, la evolución histórica en el uso de las sales de plata como sustancia fotosensible condiciona el tipo de imagen obtenida. (...)

(Ver:
Prehistoria de la fotografía / A prehistory of photography)

De sobra conocido desde tiempos remotos es el efecto producido en una habitación cerrada y oscura cuando, a través de la rendija de una persiana o de la pared, observamos, en la pared contraria, la escena invertida del exterior reflejada en ella. Éste es el principio de las cámaras oscuras, bien conocidas por Aristóteles (384-322 a.C.) y por el óptico árabe del siglo XI Alhazán (965­1038). Estas cámaras se utilizaban para la observación de eclipses solares. Posteriormente, ya en el Renacimiento, Leonardo Da Vinci (1452-1519) hará una minuciosa descripción de una cámara oscura y de los principios en que se basa. (...)

Parece ser que ya en 1550 el milanés Hieronymus Cardano añade a una cámara oscura un “disco de cristal”, siendo probablemente ésta la primera lente de la historia utilizada para mejorar la calidad de la imagen obtenida por una cámara oscura. Hasta principios del siglo XIX las cámaras oscuras se siguieron utilizando fundamentalmente como ayuda para el dibujante, pero siempre había que repasar a mano la imagen que se proyectaba de forma más o menos nítida y luminosa, procedimiento era dibujar encima de un papel translúcido o encerado para así poder conservar la imagen.

Al igual que en el terreno de la óptica, ya se conocían desde tiempos remotos sustancias que alteraban sus propiedades al incidir sobre ellas la luz. (...) En 1725, el médico alemán Johan Heinrich Schulze (1687-1744) descubrió la sensibilidad a la luz de las sales de plata, pero no se le ocurrió utilizar estos productos dentro de la cámara oscura. Además tenía otro problema y es que los resultados obtenidos eran efímeros, ya que las sales de plata se seguían ennegreciendo por la acción de la luz. El más importante de sus seguidores será el ginebrino Jean Sénebier (1742­1809), quien realizó una escala sensitométrica que reflejaba las variaciones del ennegrecimiento de las sales de plata según la luz que recibían.

El científico británico Thomas Wedgwood (1771-1805) fue el primero en introducir en una cámara oscura una placa preparada con nitrato de plata, pero, al comprobar que no obtenía resultados satisfactorios en los tiempos que él había calculado, abandonó los experimentos.

(Ver:
Fotografía norteamericana en la primera mitad del siglo 20)

Después de todo un cúmulo de casualidades, aparecerá la fotografía de la mano de Nicéphore Niépce. Pero tampoco fue así de simple, ya que su paternidad será discutida incluso hoy en día, ...  De todas formas, resulta curioso que en este período tan corto (1816-1826) hubiese tantos “padres” que reclamasen el invento. Puede ser debido a que el terreno estaba ya suficientemente abonado para que surgiese en este instante preciso. (...)

Los primeros fotógrafos: Niépce, Daguerre y Talbot.

Los primeros intentos fructíferos en la obtención de imágenes fotográficas vienen de la mano del francés Nicéphore Niépce (1765­1833). Éste basará sus investigaciones para la obtención de imágenes estables en los hallazgos de Sénebier, usando sustancias que se endurecen o que se hacen insolubles por la acción de la luz, en particular de los rayos ultravioletas. Esta sustancia será el betún de Judea. Una vez seca la placa y expuesta a la luz, ésta se blanquea en vez de ennegrecer, y transforma en insolubles aquellas partes que no recibieron luz. Con esta técnica se obtenían imágenes directamente positivas, aunque invertidas de izquierda a derecha.

La primera y más antigua fotografía conocida es de 1826. Esta primera imagen, llamada por Niépce point de vue (punto de vista), son impresiones directas de la realidad, para diferenciarlas de las heliografías (... imágenes sobre papel mediante la cámara oscura ...). Consigue imágenes negativas, logrando fijarlas sobre papel tratado con cloruro de plata, mediante el ácido nítrico; ... Obtuvo dicha imagen, realizada sobre una placa de peltre (aleación de cine, plomo y estaño) ... después de una exposición de ocho horas. Jacques Mandé Daguerre (1791-1851) supo aprovecharse del invento de Niépce. Este último, arruinado por sus infructuosas investigaciones, decide firmar, el 14 de diciembre de 1829, un contrato de asociación con el señor Daguerre. A la muerte de Niépce en 1833, Daguerre encontrará vía libre para adjudicarse la paternidad del invento. (...)

Daguerre podrá hacer oficial su invento gracias a su contacto con el diputado liberal Frangois Arago, quien presentó, el 7 de enero de 1839, en la Academia de Ciencias de París, el invento de Daguerre. (...)

Parece que durante estos años Daguerre estuvo investigando la posibilidad de obtener imágenes en color sin ningún éxito, de ahí que tardase en dar a conocer su sistema. Esto defraudó en los ambientes de la época, pues se esperaba conseguir imágenes no sólo fieles a la realidad, sino también con los colores de la naturaleza. Habría que esperar algunos años más para conseguir color en las fotografías (En 1861 el físico británico James Clerk Maxwell obtendrá, a través de la síntesis aditiva de los colores, imágenes proyectadas en color. En 1869 Louis Ducos du Hauron, y paralelamente Charles Cross, obtendrían también imágenes en color a través del método sustractivo). Por el momento, se tuvieron que conformar con “iluminar” (colorear) los daguerrotipos a mano.

Casi al mismo tiempo, en 1835, el inglés Herny Fox Talbot (1800­-1877) realizará su primer negativo fotográfico ... Sus primeros ensayos dejaban bastante que desear, comparados con la técnica de moda del momento: el daguerrotipo. Pero tenemos un cambio trascendental en la concepción de su invento: se obtenía un negativo, abriendo así la posibilidad de hacer numerosas copias iguales. Esto lo diferenciaría radicalmente del daguerrotipo e influiría decisivamente en el concepto conocido hoy en día corno fotografía.

La técnica inventada por Talbot se llamó calotipia (del griego kalos: bello, y typos: impresión), Ésta consistía en emulsionar con sales de plata un papel que posteriormente era encerado para proporcionarle cierta transparencia. El resultado así obtenido tenía el inconveniente de que parte de la propia textura del papel que se usaba como negativo se plasmaba en la copia final, confiriéndole el aspecto típico de esta técnica, es decir, imágenes poco nítidas.

 

... La daguerrotipia se extendió rápida y popularmente por toda Europa, y principalmente por Estados Unidos, donde perduró hasta 1860, Sin embargo, no llegó a cuajar como algo perdurable. El calotipo, por contra, fue el primer sistema fotográfico negativo-positivo. Este transformará la fotografía en un medio popular y democrático. El hecho de poder obtener tantas copias como se deseara de una misma toma llevaría consigo una socialización de la imagen. Por tanto, la esencia de la fotografía no sólo va a consistir en la fijación única de la imagen por la cámara, sino también en su reproducibilidad casi infinita, es decir, su multiplicidad.

 Del calotipo al colodión húmedo. El camino hacia la instantaneidad.

En el año 1851, Gustave Le Gray (1820-1882), en Francia, y Frederick Scott Archer (1813-1857), en Gran Bretaña, van a reemplazar, en los negativos, la albúmina por el colodión. (...)  El colodión es una mezcla de nitrocelulosa disuelta en éter etílico y alcohol etílico en la que se disolvían sales de yoduro y bromuro. El empleo de este nuevo material iba a desbancar definitivamente al daguerrotipo, pues proporcionaba una “rapidez” (sensibilidad) excepcional en la exposición, algo no superable por el daguerrotipo. También sustituiría a las placas emulsionadas a la albúmina, pues eran demasiado lentas, Sin embargo, el colodión tenía otros inconvenientes, y es que la placa de cristal se debía preparar en el momento de realizar la toma y debía estar húmeda. No sólo eso: la preparación de la placa era, además, algo muy delicado. Si no se distribuía el colodión con rapidez, era probable que se formasen burbujas y rayaduras haciendo inservible la placa. En aquel momento resultó ser una técnica que revolucionaría la fotografía, pues con ella se iban a poder plasmar “instantes” que hasta entonces habían escapado a las características del medio.

En la década de los sesenta del siglo XIX se iban a realizar millones de fotografías por todo el mundo. Los fotógrafos trajeron imágenes de lugares hasta enton­ces desconocidos, retrataron a sus gobernantes, a las gentes de otros países, las guerras y los monu­mentos de las ciudades, es decir, se convirtieron en los ojos de un mundo que hasta ese instante sólo era conocido a través de tex­tos y relatos de viajeros o, en el mejor de los casos, de grabados realizados por la mano de algún artista que, en muchas ocasiones, aprovechaba para poner algo de su cosecha personal.

(Ver: El diafragma y el obturador)

 Fotografía de viajes y guerras.

A mediados del siglo XIX va a producirse una contradicción con el mundo anterior. La fotografía aparece para demostrar que el mundo existe, que todo aquello que hasta ese momento se conocía a través de la literatura o pintura, es decir, todo aquello en donde había tenido que intervenir la mano y, por lo tanto, la subjetividad del hombre, ahora podía ser contemplado de forma “objetiva y veraz”. Después de todo, en estos momentos la fotografía se había convertido en un objeto a través del cual se daba fe del hecho en sí.

... La fotografía de viajes ha estado y está definitivamente mediatizada por la técnica empleada en cada momento. Un hecho primordial para el desarrollo de este tipo de fotografía fue la utilización del calotipo. Esto fue debido fundamentalmente a su bajo costo, pero sobre todo a su ligereza, muy superior a la de las engorrosas y pesadas placas metálicas daguerrotípicas. El calotipo tiene una utilización más cómoda sobre el terreno que el daguerrotipo, pero, aun así, requiere una manipulación química compleja. (...)

El descubrimiento del colodión en 1851 va a cambiar la forma y la actitud de la fotografía de viajes, ya que va a obligar a los fotógrafos a transportar grandes cantidades de material, además de un cuarto oscuro para emulsionar las placas, ... pero, a pesar de este inconveniente, el colodión iba a suponer un gran avance técnico. Siendo un material mucho más sensible, va a ser capaz de registrar los sujetos u objetos en movimiento y, además, al ser su soporte el vidrio, va a producir imágenes mucho más nítidas. Con tiradas posteriores a la albúmina, que conservan la nitidez y detalles de la escena, el colodión permitirá una mecanización de la fotografía de paisaje convirtiéndola, además, en un objeto de consumo. (...)

Las guerras serán otro de los temas que recogerá la fotografía desde sus orígenes. Hasta el descubrimiento de la fotografía, las guerras eran algo lejano y en cierto modo excitante. La gente desconocía los crudos detalles de las mismas: cadáveres, heridos o mutilados formaban parte sólo de los textos.

A la fotografía se la ha considerado como el instrumento fiel, veraz e imparcial para registrar los acontecimientos que suceden en la realidad. Esa cualidad de autenticidad y utilidad de la fotografía es, desde sus orígenes, una particularidad esencial que hace de este medio el ideal para plasmar testimonios de forma verídica. Naturalmente, en el transcurso histórico, esta particularidad ha ido cambiando, hasta volverse en su contra. Vemos, por ejemplo, cómo a finales del siglo XIX se van a utilizar las imágenes fotográficas para cambiar la opinión pública con respecto a algún acontecimiento. Esto se hace patente en las fotografías de Roger Fenton (1819-1869). Cuando, en 1854, fue contratado por un editor inglés para fotografiar la guerra en Crimea, su misión consistía en realizar fotografías de dicha contienda para calmar los temores de la opinión pública británica acerca de las tropas allí destacadas. Ningún cadáver aparecerá en sus fotografías, pero, eso sí, ofrecerá una visión idílica del conflicto. Podríamos achacar esta falta de imágenes de la crudeza de la guerra a los medios empleados para hacerlo, ya que Fenton tenía que cargar con un material tan pesado y engorroso, que difícilmente podía llegar a tiempo de fotografiar los instantes fugaces de una batalla.

... Durante los acontecimientos de la Comuna de París de 1871, fotógrafos como Liébert o Appert utilizaron la fotografía para “recrear” a su modo los sucesos ocurridos. Liébert realizará montajes fotográficos con el título Crimes de la Commune, tergiversando la realidad de los hechos, colocando en la escena personajes fotografiados con anterioridad a los acontecimientos. Eugéne Appert realizó fotografías de los detenidos en las revueltas de la Comuna. Durante estos sucesos ocurre un hecho muy significativo: en vez de manipular la realidad como en los casos anteriores, se emplea una cualidad de la fotografía -su fidelidad al referente- para identificar a los participantes en la revuelta. Una vez identificados por la policía, casi todos ellos serán fusilados.

Durante la guerra de Secesión americana de 1861, se realizan numerosas fotografías de los acontecimientos. La fotografía se utiliza, bien para denunciar los horrores de la guerra, bien para denunciar al adversario, o para registrar episodios importantes de la memoria colectiva del país. Al contrario que Fenton, muchos de los que fotografiaron la guerra civil eran independientes, por lo que no tenían ningún tipo de censura a la hora de plasmar la crudeza de los acontecimientos. Timothy O'Sullivan (1840-1882) plasma en sus fotografías toda la crudeza de la guerra, mostrando los cadáveres de los soldados. (...)

Los primeros aficionados.

El período de los años ochenta de finales del XIX podemos considerarlo revolucionario, ya que va a transformar de tal manera el medio industrial fotográfico que tendrá consecuencias hasta nuestros días. Para el fotógrafo aficionado, la fotografía no es el medio de ganarse la vida, sino más bien un medio para divertirse y disfrutar de él. Surge la instantánea familiar y la fotografía de vacaciones. En definitiva, aparece la fotografía como el sustituto de la memoria familiar.

La vulgarización de la fotografía se hace más patente cuando George Eastman (1854-1932) saca al mercado, en 1881, su primera cámara Kodak cargada con rollo de película llamada stripping, enrollada sobre un soporte de papel. La política comercial del señor Eastman estaba clara: vender sus productos al aficionado, por lo que éstos deberían ser baratos y fáciles de manejar. (...) Con esta primera cámara se obtenían cien fotografías circulares de cinco centímetros de diámetro. La cámara se vendía ya cargada. Lo único que debía hacer el aficionado era apretar el botón, Lo demás, la labor engorrosa de procesar y copiar las fotografías, corría a cargo de Kodak. Su lema era: You press the bottom, we do the rest (Usted apriete el botón, nosotros haremos todo lo demás). La cámara, junto con la película, una vez enviada a revelar, se devolvía al usuario con las cien copias positivadas, cargada y lista para disparar. En 1889, Eastman sustituye el rollo de papel por celuloide.

A principios de 1900 aparecen los pequeños formatos, gracias a la evolución en las emulsiones secas y a la introducción de los soportes flexibles. Esto influirá en el diseño de nuevas cámaras más sencillas y pequeñas que pueden llevarse en un bolsillo. El mercado aficionado dará un gran impulso a empresas fotográficas tales como Kodak, Agfa, Voigtländer o Gevaert. (...)

En 1914 aparece el primer prototipo de las míticas cámaras Leica, creadas por Oskar Barnack. Es el momento de las pequeñas cámaras de 35 mm que, gracias a las emulsiones cada vez más sensibles y a su versatilidad, permiten hacer fotografías hasta ese momento inalcanzables. En el año 1924 salió al mercado la cámara Ermanox, con un objetivo de una luminosidad excepcional, incluso para hoy en día: f/2, pasando a ser más tarde a f/1,8. Este tipo de formato fue adoptado de inmediato por los fotógrafos de prensa, dejando para siempre las pesadas y grandes placas de antaño.

(Ver:
William Henry Fox Talbot Vida y obra / Biography)

Detener el movimiento.

La búsqueda incansable de nuevos materiales cada vez más sensibles va a ser una constante a lo largo de la historia de la fotografía. Desde los primeros ejemplos fotográficos ... el empeño fue solucionar los problemas técnicos que hacían imposible la obtención de instantáneas.

Los tiempos de exposición eran desmesurados, y dependían de las condiciones meteorológicas que imperasen en el momento de la toma. En los primeros momentos, éstos podían variar de los cinco minutos, en el mejor de los casos, a los 30 o 45 minutos. Ya en 1841 bastará con dos o tres minutos; y en 1842, podían reducirse a 20 o 40 segundos. (Hasta el descubrimiento del colodión húmedo no se podrán reducir los tiempos de exposición de forma evidente a unos pocos segundos). Esto iba a configurar el surgimiento de unas características muy específicas en las imágenes daguerrianas relacionadas con el tiempo de exposición. Entre ellas cabe destacar que todos aquellos objetos o sujetos que estuviesen en movimiento en la escena, o no salían o quedaban como rastros fantasmagóricos. Los retratados tenían que permanecer completamente inmóviles, dando como resultado cierto tipo de poses para poder superar la “prueba”. Estas poses se realizaban con unos accesorios que, colocados en las sillas, obligaban al fotografiado a permanecer estático durante varios minutos.

Es posible que las primeras imágenes que podemos considerar como instantáneas sean de Negre, entre 1851 y 1852. En ellas se ven por vez primera tres personas en posición real de marcha. Se pudieron realizar gracias al uso de un formato pequeño y de una óptica luminosa que le permitió tiempos de exposición de uno o dos segundos. Entre 1856 y 1857, Le Gray realiza las primeras fotos de oleaje; también en 1857, George W. Wilson realizó fotografías estereoscópicas que se podrían calificar de instantáneas, con tiempos de 1/5 de segundo. (...)

Con la aparición de la instantánea fotográfica se descubren aspectos del movimiento que hasta entonces permanecieron invisibles al ojo humano. En muchos casos, esas primeras fotografías de movimientos congelados entraron en contradicción con las representaciones pictóricas que hasta ese momento se venían realizando. El caso más nombrado puede que haya sido el de Edward Muybridge (1830-1904), fotógrafo inglés afincado en Estados Unidos que investigó las fases individuales del movimiento en la locomoción humana y de los animales.

En 1878 realizó una serie de fotografías en las que mostraba las diferentes fases del galope de un caballo, dejando por fin zanjada la duda de si el caballo a pleno galope tiene las cuatro patas levantadas al mismo tiempo o no. Demostró, para sorpresa de todos, que existe un instante en el que el caballo tiene todas sus patas en el aire, pero cuando éstas están recogidas hacia adentro y no hacia afuera como se había estado representando durante siglos en numerosas pinturas. Muybridge empleó para realizar sus imágenes las nuevas y rápidas emulsiones denominadas placas secas de Maddox, lo que le permitió utilizar unos tiempos de obturación muy breves, del orden de 1/2.000 seg. Estos obturadores se accionaban al atravesar el caballo los cables que cruzan la pista y que estaban conectados a una batería de cámaras.

La fotografía como documento y crítica social.

La fotografía se consideró desde sus orígenes como fiel reflejo del mundo. Desde la presentación oficial del daguerrotipo ya se atribuía a este descubrimiento un carácter eminentemente reproductivo. (...) Por lo tanto, esta característica parece que hace de la fotografía el instrumento ideal para documentar y denunciar acontecimientos. La supuesta objetividad de la fotografía también ha sido durante mucho tiempo un arma de doble filo, pues se le asignaron unas capacidades que en numerosas ocasiones fueron aprovechadas de forma desaprensiva para falsear o modificar la realidad de los acontecimientos fotografiados. En este momento todo esto parece que queda en entredicho debido a la aparición de la imagen digital, ya que ésta es perfectamente manipulable sin posibilidad de detectar las alteraciones realizadas sobre ella, Eso quiere decir que la fotografía ha dejado de ser prueba de un acontecimiento o huella de un suceso. (...)

        Dentro de lo que podríamos considerar como fotografía social debemos destacar los trabajos de Jacob A. Rús (1849-1914) y Lewis W. Hine (1874-1940). Rús fue el primero en denunciar, a través de la publicación de sus fotografías en la prensa, las miserables condiciones de vida de los inmigrantes en los barrios bajos de Nueva York. También fue el primero que utilizó el magnesio a modo de flash para iluminar los sórdidos ambientes en los que se movía. Por su parte, Hine deja la escritura por la cámara, denunciando con sus imágenes las duras condiciones y la explotación de los niños trabajadores en las minas y en empresas textiles. Sus imágenes contribuyeron sin duda alguna a que se elaborase en Estados Unidos una ley sobre protección laboral de menores.

Otros fotógrafos como Eugéne Atget (1856-1927), en Francia, dedicarán toda su producción fotográfica a documentar las calles del viejo París. (...)

Pictorialismo y Photo-Secession.

A finales del siglo XIX, y coincidiendo con la comercialización de los productos fotográficos a escala industrial y mundial, desaparecen casi por completo las antiguas técnicas de positivado. Se homogeinizan los productos, y por lo tanto adquiere una mayor dimensión el contenido con respecto a la forma. Hasta ese momento, cada copia que se hacía era prácticamente una copia única. Esto era una consecuencia intrínseca a su realización manufacturada y, desde luego, buscada intencionadamente para darle ese “toque” de artisticidad. Hecho este más acusado durante el período de auge de la corriente pictorialista, debido a sus influencias y su ne­cesidad de equipararse con la pitura.

La corriente pictorialista genera una ruptura con todos aquellos procesos que, de una u otra forma, rompen con los orígenes mecánicos de la fotografía. De ahí el uso de técnicas de positivado llamadas “nobles”, que producían, debido a su complejidad de manejo, copias únicas o al menos irrepetibles al cien por cien: platinotipias, bromóleos, carbro, gomas bicromatadas, etc.

Conectado con la corriente pictorialista europea surge, en 1902, en Estados Unidos y de la mano de Alfred Stieglitz (1864-1946), el movimiento Photo-Secession, fundado e inspirado en el movimiento secesionista alemán y austriaco. Su objetivo era señalar su independencia frente al oficialismo académico. (...)

Posteriormente, en 1903, Stieglitz creará una revista, la prestigiosa Camera Work, que dirigirá hasta 1917. (...) Contribuirá, a su vez, a dar a conocer en su galería 291 de Nueva York a las vanguardias artísticas europeas presentando los trabajos de desconocidos por aquel entonces como Picasso, Matisse, Cézanne, Brancusi o Braque, entre otros muchos.

La Photo-Secession americana, junto con las corrientes europeas Liked Ring inglesa y la francesa, son los máximos exponentes de la estética pictorialista. Pero lo más destacable, sobre todo de la corriente americana, es que de entre sus filas surgen “desertores” que crearán un nuevo estilo, más directo y puro. Uno de estos “desertores” fue Edward Weston, quien influirá decisivamente en la posterior evolución de la fotografía y conformará el estilo y la dirección de buena parte de la fotografía de principios del siglo XX.

Fotografía pura.

Siguiendo las pautas que había empezado a establecer Stieglitz, un grupo de fotógrafos norteamericanos comienzan a fotografiar apartándose de la estética pictorialista. Esta nueva búsqueda pasa por afirmar la pureza del medio fotográfico, dejando de lado otras influencias provenientes de otros campos, como la pintura.

En la California de los años veinte, Weston (1886-1958), quien en una primera época adoptó las tesis de los pictorialistas, descubre y opta rápidamente por la fotografía pura. (...) La técnica y la estética de Weston se llegaron a convertir en la misma cosa. La valoración de la nitidez y la fidelidad de la reproducción de las superficies de las cosas su valor más anhelado.

Weston dejó de lado el flou de sus viejas fotos para trabajar con la mayor nitidez posible, con una profundidad de campo máxima y realizando copias de 20 X 25 cm por contacto. Weston redefine lo que se venía considerando como copia artística, estableciendo nuevos criterios, como el de que el fotógrafo debía previsualizar el resultado final, consiguiendo de esta forma que el control tonal de la copia fuese resuelto modificando la exposición y el revelado, para luego trasladarlo a la escala tonal de la copia.

En el año 1932, en torno a Weston y sus teorías se formaría una sociedad bajo el nombre de Grupo f/64. (...) Su propio nombre, f/64, respondía a un afán estético de conseguir, a través del uso de diafragmados pequeños, la mayor nitidez y profundidad de campo posibles.

Ansel Adaras (1902-1984) fue sin duda el más representativo y conocido del Grupo f/64, no sólo por sus fotografías sino también por sus publicaciones de manuales didácticos. Su contribución más notable, junto con Fred Archer, fue la del sistema de zonas, realizada en 1941. Mediante dicho sistema será capaz de determinar tanto el tiempo de exposición como de revelado, basándose en principios sensitométricos. Con ello ofrecía al fotógrafo un auténtico control de la toma y de los materiales utilizados. Lo que corresponde a la voluntad de eliminar por completo el azar de todo el proceso fotográfico gracias al calibrado de todo el sistema. Sin duda, la posibilidad de control vino de la mano del perfeccionamiento de los instrumentos de medición de la luz. Hasta la aparición, en 1932 del fotómetro Weston con célula de selenio, las mediciones se realizaban con métodos no demasiado precisos.

La manipulación de la imagen: las vanguardias.

Las vanguardias englobaron diversos movimientos artísticos que dieron cabida a multitud de formas de expresión y, a través de ellos, reformaron y transformaron la cultura moderna ...

La fotografía alcanza gran difusión y se integra en estos movimientos, en un principio pictóricos o literarios, gracias al gran avance de las técnicas de reproducción masiva en prensa y revistas. Muchos de los fotógrafos que formaron parte de estos movimientos surgieron, a los ojos del gran público, gracias a revistas de moda como Vogue, Vanity Fair, Charm y Harpers Bazaar.

En un clima de búsqueda experimental suscitado por los diversos “ismos”, la fotografía se caracteriza sobre todo por la utilización de los fotomontajes, fotogramas, formas abstractas y puntos de vista insólitos. Como los incipientes cineastas y artistas plásticos, los fotógrafos se adentrarán en la búsqueda de la psique humana, a través del freudismo y sus teorías, jugando también un papel de compromiso político y de lucha social con sus obras.

Los dadaístas, reactualizando conceptos, proponen una diversificación de materiales y fuentes luminosas a fin de obtener imágenes no figurativas. Uno de los fotógrafos dadaístas más significativos fue Christian Schad (1894-1982), quien realizó fotografías abstractas sin usar la cámara, llamadas schadografías. Numerosos dadaístas, entre los que destacan Raoul Hausmann, John Heartfield, Hannali Hóch y George Grosz entre otros, trabajarán en el uso del fotomontaje y el collage como medio político y artístico para buscar la destrucción revolucionaria de la cultura burguesa.

El húngaro Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946), instalado en Alemania e integrado en el movimiento de la Bauhaus desde 1923, será el creador de la New Vision. El es un constructor de imágenes más que un captador del mundo. Para él la cámara es objetiva, además de tener visión propia. La producción fotográfica de Moholy-Nagy es tan amplia que abarca desde fotogramas, fotomontajes, negativos, reflejos, primeros planos, picados y contrapicados; hasta temas de arquitectura, desnudo, industria, publicidad y todas aquellas técnicas que tienen que ver con la manipulación de la luz en todos sus aspectos más creativos, novedosos y experimentales.

El representante más significativo del movimiento surrealista fue sin duda Man Ray (1890­1976). Norteamericano de nacimiento, se traslada a París en 1921. Man Ray abandonaría rápidamente los viejos métodos y se aprovecharía de la gran diversidad de posibilidades que le brindaba la fotografía. De esta forma se integraría en la vanguardia artística de la mano del surrealismo. Man Ray se adentrará de inmediato en ese mundo surrealista del residuo y del objet trouvé, que fijará por medio de la luz y de la química al soporte fotográfico. Sus fotografías son objetos que aísla de su contexto para integrarlos en su mundo de relaciones oníricas y del subconsciente.

 La fotografía a partir de 1945. 

(...) En el terreno técnico se han producido numerosos y espectaculares avances. Ya es posible disponer de sistemas de medición de luz muy precisos, se incorporan células fotoeléctricas en el interior de las cámaras, surgen los primeros automatismos de obturación y abertura. En el año 1947, Edwin H. Land inventa el material instantáneo Polaroid, produciendo imágenes instantáneas reveladas y positivadas en pocos segundos.

La fotografía en color se generaliza después de la Segunda Guerra Mundial, gracias en parte a dos jóvenes músicos, Leopold Mannes y Leopold Godowsky, investigadores a su vez de la Eastman Kodak, quienes en 1935 crean los modernos procesos tri-capa en color mediante el método sustractivo. Será en esta fecha cuando aparece en el mercado la película Kodachrome. Pocos meses después, será Agfa quien lance al mercado su sistema.

Por otro lado, en los últimos veinte años hemos asistido a una fulgurante evolución de la tecnología que ha sido incorporada paulatinamente a las cámaras, convirtiéndose así en mecanismos cada vez más precisos y sofisticados. Estos avances han ido de la mano de la microinformática y de la miniaturización de los componentes, pudiéndose así automatizar al máximo las funciones del instrumento. La electrónica ha invadido el espacio que ocupaba la mecánica, pudiendo así abaratar costos, haciendo más accesible y más sencillo el manejo de las cámaras al aficionado. En pocos años las lentes son mejoradas, los materiales se han vuelto más ligeros y resistentes, se incorpora tecnología avanzada, como microchips y microprocesadores, incluso pequeños ordenadores que son capaces de medir distancias, evaluar la luz y disparar con tiempos precisos a la milésima de segundo.

Las emulsiones fotográficas incorporan tecnología especial como el “grano tabular” o “grano T” de Kodak, o el “Delta” de Ilford. Se fabrican de esta manera emulsiones cada vez más sensibles (hasta 12.000 ISO) y con un grano cada vez más fino.

Hoy por hoy, a finales de los noventa, la apuesta se centra en los nuevos soportes digitales capaces de almacenar gran cantidad de información, que tienen la ventaja añadida de su fácil manipulación, conservación y almacenamiento, gracias a los ordenadores. Es, quizás, el momento de un cambio de soporte; el cambio de los soportes fotoquímicos, basados en la química de la plata, por los soportes digitales que almacenan la información en forma numérica: ceros y unos.

Pero lo realmente significativo, desde los años cincuenta hasta hoy, es el cambio producido en la actitud del fotógrafo frente al hecho fotográfico. La fotografía deja de ser el instrumento paradigma de fidelidad y de testimonio de una realidad para convertirse en un medio capaz de interrogarse sobre sí mismo. De esta manera le serán permitidas todas las desviaciones y todos los procedimientos a su alcance para integrarse con el resto de las artes.

Durante los años cincuenta, la mayor parte de la fotografía realizada fue, en palabras de Szarkowski, “fotografía de índole privada”. Ejemplo de ello son las obras de Stieglitz y Weston, que no hicieron concesión alguna a los intereses del público o del gusto general. Naturalmente, sobre todo en Europa, otros fotógrafos apostaron por el compromiso político y social del momento, actuando como intérpretes de los acontecimientos y de los “instantes decisivos” de los que fueron testigos. Dentro de esta corriente cabe destacar, entre otros, a Cartier-Bresson o Bill Brandt.

Influido por la corriente existencialista de posguerra, aparece un movimiento fotográfico llamado Fotografía Subjetiva. Según su creador, Otto Steinert, la fotografía debía superar el ser considerada como un mero mecanismo de reproducción de la realidad, para convertirse en un método de creación original que esté apoyado únicamente en la pureza del medio, dejando de lado los condicionamientos técnicos imperantes en los movimientos anteriores de la Nueva Objetividad alemana y del Grupo f/64 americano.

Quizás uno de los más influyentes fotógrafos norteamericanos haya sido Minor White (1908­1976). (...) En esa búsqueda de nuevos parámetros estéticos y de abandono de las manipulaciones para conseguir efectos de trasgresión de lo real, White establece nuevas relaciones, acercándose más a la poesía y al misticismo a través de un medio esencialmente fotográfico que no necesita manipular la realidad. Lo que Minor White propone es una reflexión, una meditación interiorizada del hecho fotográfico. No es necesario reconocer en la fotografía los objetos como elementos o como registro de una realidad objetiva. Debemos reconocerlos en nuestro interior, creando un estado mental de equivalencia entre lo fotografiado y el observador.

Por su parte, Robert-Louis Frank (1924), nacido en Suiza, se convertirá en un mito de la fotografía americana de los cincuenta y ejercerá una gran influencia en posteriores fotógrafos de todo el mundo. Sus imágenes nos muestran, ante todo, aquellos momentos que están, podríamos decir, por delante y por detrás del “momento decisivo” de Cartier-Bresson. Corresponden a esa multitud de instantes que vemos de forma continua y a los que no prestamos ninguna atención. Para Frank, los momentos decisivos o significativos no existen. Somos nosotros quienes les damos significado a través del medio fotográfico.

Para White o Frank, la ruptura se había efectuado en la imagen y en el sentido de la fotografía. Sin embargo, William Mein (1928) hace patentes las características del medio, no sólo en el uso del movimiento y del tiempo durante la toma, sino al ponerlo de manifiesto a través de la alteración del soporte o de sus propios límites técnicos.

Klein capta formas fugaces y abstractas con tiempos prolongados de exposición. Piensa que la cámara es capaz de documentar el paso del tiempo a través de pequeñas fracciones de segundo. Intenta plasmar en la fotografía esas acciones en movimiento que, debido a su rapidez, pasan desapercibidas para el ojo. William Mein nos muestra una agresividad generada por el propio medio a través de imágenes muy contrastadas, movidas, desenfocadas y con grano. Es un desafío a la herencia de una visión instantánea y objetiva promulgada por un Cartier-Bresson, una ruptura con los esquemas tradicionales de la llamada Street Motography o fotografía de calle.

La fragmentación de la imagen fotográfica viene de la mano de David Hockney (1937). Sus montajes están compuestos de multitud de imágenes de la escena que, una vez unidas, recomponen ésta. No es posible mirar o leer de forma convencional sus obras, como lo haríamos con una sola imagen; nos obliga a releer, revisar, reintentar una mirada que podríamos calificar de pausada, serena o múltiple. Tenemos que observar detenidamente y reconstruir mentalmente a través de la adición de un gran número de fragmentos que reconstruyen la mirada original.

Como contrapartida a los avances tecnológicos alcanzados durante estas últimas décadas, tanto en el uso de nuevas emulsiones como en la fabricación de cámaras cada vez más sofisticadas, son también utilizadas y retomadas por diferentes fotógrafos todas aquellas experiencias fotográficas en las que no es imprescindible el uso de la cámara, tales como fotogramas, fotomontajes, collages, etc.; o bien aquellos sistemas “precarios”, tales como cámaras estenopeicas, cámaras desechables o de juguete. Por otro lado, surge la recuperación de procesos de positivado antiguos o en desuso. (...)

Las formas de intervención son múltiples y variadas, ... Al final, lo que se busca es un nuevo tipo de imagen más conceptual. Además, estas nuevas imágenes son, por lo general, únicas, debido a su tratamiento manipulado y personalizado.

Resumiendo, y dando una visión genérica de la fotografía en los últimos cuarenta años, podríamos decir, muy a grandes rasgos y de acuerdo con las tesis de Szarkowski, que “existe una dicotomía fundamental entre quienes consideran la fotografía como un medio de autoexpresión y quienes ven en ella un método de exploración”. Dicho en otras palabras, aquellos que hacen de la fotografía un medio “íntimo” de expresión y aquellos que buscan un método de experimentación propio a través de las características del medio fotográfico.

History - What is Photography? - Keith Wills - SCPhoto - 2006

PHOTOGRAPHY. 

The word photography comes from two ancient Greek words: photo, for "light," and graph, for "drawing." "Drawing with light" is a way of describing photography. When a photograph is made, light or some other form of radiant energy, such as X rays, is used to record a picture of an object or scene on a light-sensitive surface. Early photographs were called sun pictures, because sunlight itself was used to create the image.    Mankind has been a maker of images at least since the cave paintings of some 20,000 years ago. With the invention of photography, a realistic image that would have taken a skilled artist hours or even days to draw could be recorded in exact detail within a fraction of a second.

Today, photography has become a powerful means of communication and a mode of visual expression that touches human life in many ways. For example, photography has become popular as a means of crystallizing memories.    Most of the billions of photographs taken today are snapshots--casual records to document personal events such as vacations, birthdays, and weddings.

Photographs are used extensively by newspapers, magazines, books, and television to convey information and advertise products and services.    Practical applications of photography are found in nearly every human endeavor from astronomy to medical diagnosis to industrial quality control. Photography extends human vision into the realm of objects that are invisible because they are too small or too distant, or events that occur too rapidly for the naked eye to detect. A camera can be used in locations too dangerous for humans. Photographs can also be objects of art that explore the human condition and provide aesthetic pleasure. For millions of people, photography is a satisfying hobby or a rewarding career.

 Photography as Art   

 Today photography is widely recognized as a fine art. Photographs are displayed in art museums, prized by collectors, discussed by critics, and studied in art history courses. Because of the special nature of photography, however, this was not always the case. In the early days of photography some people considered the medium something of a poor relation to the older, established visual arts, such as drawing and painting.    The arguments stemmed from the fact that a camera is a mechanical instrument. Because the mechanical procedure of taking a picture is automatic, detractors claimed that photography required no coordination of hand and eye and none of the manual skills essential to drawing and painting. They also argued that photography required no creativity or imagination because the photographic subject was "ready-made" and did not require manipulation or control by the photographer.  

 A camera, no matter how many automatic features it may have, is a lifeless piece of equipment until a person uses it. It then becomes a uniquely responsive tool--an extension of the photographer's eye and mind. A photographer creates a picture by a process of selection. Photographers looking through the camera's viewfinder must decide what to include and what to exclude from the scene. They select the distance from which to take the picture and the precise angle that best suits their purpose. They select the instant in which to trip the shutter. This decision may require hours of patient waiting until the light is exactly right or it may be a split-second decision, but the photographer's sense of timing is always crucial.    Photographers can expand or flatten perspective by the use of certain lenses. They can freeze motion or record it as a blur, depending on their choice of shutter speed. They can create an infinite number of lighting effects with flashes or floodlights. They can alter the tonal values or colors in a picture by their choice of film and filters. These are only a few of the controls available to a photographer when taking a picture. Later, in the darkroom, many additional choices are available.   

One of the best ways to view artistic photographs is to visit museums. Today most art museums include photography exhibitions, and many have a photography department and a permanent collection of photographic prints. This is a relatively recent development.  Another great way to view photographs is to look at a quality magaznie like National Geograpics.

Control of Light

Camera Obscura    The camera obscura had been known since ancient times. It was first detailed in writing by artist and inventor Leonardo da Vinci.  Meaning literally "darkened room," it was originally a room completely sealed from light except for a very small hole in one wall. An image of the outside world--houses, trees, and even people--could be projected, upside down and reversed right-to-left, onto a wall or white screen placed opposite the opening.    Later the camera obscura was reduced in size until it became a small portable box. It was equipped with a lens and a mirror at a 45-degree angle, which reflected the image upward and focused it on a viewing screen. This was a great aid to artists in making sketches on location, but there was not yet a way to capture directly and permanently the camera obscura's images.   

Making  the Image Permanent    

  Scientists had known for some time that certain silver compounds, then called silver salts and now named silver halides, would turn black when exposed to light. In England, Thomas Wedgwood, son of the famous potter, experimented with one of these silver halides, silver nitrate, to produce silhouettes. The pictures, however, were not permanent and turned black unless stored in the dark.

1.Niépce      In the early 19th century Joseph-Nicephore Niepce of France began to experiment with a then novel graphic arts printing method called lithography. His work led him to further experiments using bitumen, a resinous substance, and oil of lavender. Niepce developed a process whereby he could permanently capture the image of a camera obscura. In 1827 he made the world's first surviving photograph from the window of a country home in France. It required an exposure, in bright sunlight, of eight hours.

2.Daguerre Meanwhile, Daguerre was experimenting with silver-iodide images. Hearing of Niepce's work, he contacted him, and in 1829 they became partners. During the next few years Daguerre, with Niepce's help, worked out the process that came to be known as daguerreotypy. It was a complicated procedure that demanded considerable skill. A silver-coated sheet of copper was sensitized by treatment with iodine vapor, forming a coating of light-sensitive silver iodide. The daguerreotype plate was exposed in the camera and then developed in mercury fumes at temperatures of about 120 degrees F (50 degrees C). The exposed areas absorbed mercury atoms and highlighted the image. Finally, the image was fixed by washing it in hypo.   The daguerreotype's silver image was capable of rendering exquisitely fine detail. It was a single-image process, however--each exposure produced only one picture, incapable of reproduction. Furthermore, the process required exposures of up to several minutes even in bright sunlight, thus constraining its subjects to absolute motionlessness.    In spite of this, the process immediately became popular, particularly for portraiture. Daguerreotypy rapidly developed into a thriving business in England and the United States. Superb portraits were made by such daguerreotypists as Albert Sands Southworth and Josiah Johnson Hawes in Boston. The French excelled in landscapes and cityscapes.   In 1840 a much faster lens was designed by the Hungarian Jozsef Petzval and manufactured by Peter Voigtlander in Austria. At about the same time a method was discovered that increased considerably the light sensitivity of the daguerreotype plate. This method involved a second fuming with chlorine or bromine before exposure.

3.TalbotIn England William Henry Fox Talbot had developed his own method of photography at about the same time that Daguerre was inventing the daguerreotype. Talbot impregnated paper with silver nitrate or silver chloride. When exposed in a camera, the sensitized paper turned black where light struck it, creating a negative image of the subject. This was made permanent by fixing with hypo.   To achieve a positive image, a contact print could be made by placing the negative over a second piece of sensitized paper and exposing the combination to bright light. Talbot's "photogenic drawings," as he called them, lacked the daguerreotype's sharp detail and brilliance but offered the great advantage that from one negative a large number of positive prints could be made. His process, known as the calotype, and later talbotype, process, was at first less popular than the daguerreotype. Most later methods of photography, however, have evolved from Talbot's work. His was the first negative-positive process.

4.ArcherIn 1851 F. Scott Archer of England made public his wet-collodion process, in which he used a glass plate coated with collodion as a base for light-sensitive silver halides. His procedure, requiring seven steps, was only slightly less complicated than the daguerreotype process, but it was considerably less expensive. It also produced a negative that was much sharper than that of the calotype method. Soon the wet-collodion process had supplanted both the older techniques as the most widely used process of photography. A major inconvenience of the wet-collodion method was the fact that the plate was light-sensitive only as long as it remained wet; after it dried it lost its sensitivity. Thus plates had to be used almost immediately after preparation. Since these plates could not be prepared and stockpiled in advance, a portable darkroom, in the form of a tent, wagon, or railway car, for instance, had to accompany the camera wherever it went.

 C. Reportage & Early Pioneers       

Despite this drawback, intrepid photographers made photographs in remote locations and under the most dangerous conditions, creating images that are still considered masterpieces of the medium. Roger Fenton of England became a pioneer in war photography with his camp scenes from the Crimean War. Mathew Brady and his team of associates, including Alexander Gardner, Timothy O'Sullivan, and James Gibson, achieved a magnificent documentation of the American Civil War . After the war, Gardner, O'Sullivan, and William Henry Jackson photographed the opening of the American West and provided a lasting record of its awesome scenery.  

In the mid-1850s the tintype, an inexpensive imitation of the daguerreotype, was patented by the American Hamilton L. Smith. It was, in fact, not made of tin, but of a very thin sheet of iron specially treated and coated with a light-sensitive emulsion. The tintype became very popular for personal portraits.    

Stereoscopic photography also became extremely popular during this period. A special stereo camera with two lenses was used to take two simultaneous photographs of the subject from viewpoints separated by about the same distance as a pair of human eyes. When the resulting pictures were viewed through a special viewing device, they merged to create a three-dimensional image. Stereoscopic images of travel pictures, landscapes, important events, and comic pictorial short stories were sold by the millions.  

In 1871 a new era in photography began when an amateur English photographer, R.L. Maddox, produced a successful dry plate that retained its light-sensitivity after drying. Other inventors followed his lead, and soon fast, reliable dry plates, much more convenient to use than the earlier wet plates, became available at a reasonable cost.  

The dry plate represented a turning point in photography. With the availability of faster emulsions, photographers could make exposures on the order of a fraction of a second, and for the first time the camera was freed from a stand.   A new breed of smaller, more portable cameras proliferated, variously called hand cameras or detective cameras. With fast-dry plates, and later with film, photography could be practiced by amateurs without the need for professional training or equipment.   As shutter speeds became fast enough to stop motion, a fascinating new world of vision unfolded. Especially notable was the work of the Englishman Eadweard Muybridge, who pioneered work in the field of motion-picture projection.  He photographed sequences of human and animal motion that fascinated artists, anatomists, and the general public alike. 

D. The Kodak Era    

In the 1880s the American George Eastman  put flexible roll film on the market, and in 1889 he introduced the first Kodak camera with the slogan, "You push the button and we do the rest." Thus was launched the era of mass-market photography.   Meanwhile, gifted photographers were exploring the new medium from a creative standpoint, attempting to discover its potential and limitations and define photography as an art form. At first it was only natural that photographers should take their inspiration from painting. Oscar G. Rejlander and Henry Peach Robinson, for example, working in England, used various darkroom techniques, tricks, and manipulations to produce staged photographs that frankly imitated the sentimental, moralistic paintings of the era. 

  The English amateur Julia Margaret Cameron did not take up photography until she was almost 50. Nevertheless, she imposed her own personal style on the medium and produced a collection of extraordinary portraits that were soft focused but impassioned. Another English amateur, Peter Henry Emerson, developed a strong pictorial style of his own and advanced detailed theories of photographic aesthetics that had a considerable influence on late 19th-century art photographers.

The American Alfred Stieglitz, a distinguished photographer in his own right, began to promote photography as a fine art in the pages of his illustrated quarterly Camera Work, in his Photo-Secession group, and later in his 291 gallery. 

E. A New Generation of Photographers    

  A new generation of photographers emerged who were determined to turn away from the pictorial style and its soft-focus, painterly effects to a more direct, unmanipulated, and sharply focused approach. This new form was called "straight" photography, and its practitioners believed it most truly expressed photography's unique vision. One pioneer was Paul Strand, whose photographs reveal a deep awareness of what he called "the spirit of place." The movement's most famous figures were Edward Weston and his younger associate Ansel Adams .   

Fenton, Roger (1819-69). English. Best known for his pictures of the Crimean War, which constituted the first extensive photographic coverage of a war. Fenton established his reputation through his high-quality still lifes and landscapes. In 1853 he founded the (Royal) Photographic Society of London. He was sent to the Crimea in 1855 as the British government's official photographer.  

Heartfield, John (1891-1968). German. Original name Helmut Herzfelde. Initially a Dadaist, Heartfield was one of the greatest masters of photomontage. Violent contrasts of scale and perspective, ruthless cropping of heads and bodies, the substitution of machine parts for vital organs, and other seeming illogical juxtapositions had a shocking effect. During the German Third Reich, Heartfield's anti-Fascist montages were among the strongest protests made.  

Hine, Lewis (1874-1940). American. A master of composition and mood, Hine used his camera in the cause of social reform. In 1908 he published a pictorial record of Ellis Island immigrants. In 1911 he was hired by the National Child Labor Committee, and he used his photographic documentation of child labor abuses to bring about corrective legislation. Hine recorded the construction of the Empire State Building in 1930. The photographs were published in 1932 in a book titled `Men at Work'.  

Jackson, William Henry (1843-1942). American. One of the best-known Western landscape and Indian portrait photographers in the 19th century. From 1870 to 1878 he was the official photographer for the United States Geological and Geographical Survey of the Territories. His photographs of Wyoming were instrumental in the establishment of Yellowstone National Park in 1872.

 F. Technical Development

    Technical developments in photographic equipment continued. Shortly before World War I, Oskar Barnack in Germany, working as a technician for the E. Leitz company, invented a miniature camera that used perforated strips of 35-mm film. It was first introduced to the market in 1924 as the Leica. Many dismissed it as a mere toy ill-equipped for serious work, but others were delighted by its compact size and ability to make up to 36 exposures in rapid succession.

Continual improvement over the years established the 35-mm camera, especially in its single-lens reflex form, as the dominant camera for both professionals and serious amateurs.   In 1930 the highly dangerous flashpowder was largely supplanted by flashbulbs. At the Massachusetts Institute of Technology, experiments with gas discharge flash tubes led to the development of the electronic flash, which could produce astonishing images made at exposures as brief as 1/10,000 second. Although they originally required expensive and cumbersome equipment, electronic flash units became so miniaturized that they could be built into a pocket camera.  

Color had been the dream of photographers since the medium of photography was invented. The foundation for color photography had been established in 1859 by James Clerk Maxwell, a Scottish physicist who demonstrated that all colors could be reduced to combinations of three primary colors. Many attempts were made to apply this principle to photography, but it was not until many decades later that inventors were successful.   In 1907 two Frenchmen, the brothers Auguste and Louis Lumiere, placed on the market their autochrome glass plates. These plates were coated with starch grains that were dyed red, green, and blue, over which was a second coating of panchromatic emulsion. After 1930 the much sharper "integral tripack" color films were introduced, which used dyes rather than grains.

Kodachrome in particular became famed for its sharpness and rich colors. These new films were positive transparency films, but soon color negative films were introduced. Today color negative film constitutes the vast majority of film sold to amateur photographers in the United States.   Instant, or self-processing, photography was invented by the American Edwin H. Land. He introduced the Polaroid Land camera in 1947, and a color version became available in 1963. 

G. The Future 

   Increasingly, cameras are becoming more automated and electronically controlled. Virtually every step, from film loading to rewinding, has become automatic, and built-in electronic components frequently select the correct exposure and focus the lens. In some cases, the film itself has been replaced by a light-sensitive electronic sensor. 

  Digital photo images began in 1985 with the first low cost camera from Cannon called the Xapshot. Images were produced on video disks that fit into the camera and could be connected to a television set for viewing.  The Kodak CD process came out in 1991 which allowed images from any source including slides and negatives to be recorded on a compact disk.  Images are played back over a television and can be printed on a dye sublimation or wax printer or laserprinter.  Newspapers use the expensive technology to capture images and send them over the phone lines to other newspapers.  Displayed on a computer  images in digital format can be cut and pasted  for best composition or adjusted for best contrast and brightness on the computer.   

In spite of the continuing automation in cameras, however, the photographer's eye remains all-important. No matter how sophisticated the camera, it is the photographer who must choose what to photograph and when to expose the film. Photography remains a unique human act of communication.

 I. Photography in Communication 

    Since its invention in 1839, photography's unique powers of visual description have been used to record, report, and inform. People prefer to see things with their own eyes, but when this is impossible the camera can often serve the same purpose almost as well. It is not true that photographs never lie--they can be falsified and manipulated. Nevertheless, a photograph can carry a strong measure of authenticity and conviction.

As a nonverbal means of communication, photography can surmount the barriers of language and communicate through universal visual symbols.   Photographs are well suited for use in the mass media. Today they are reproduced by the billions, and they can be found everywhere: in the pages of newspapers, magazines, books, catalogs, and brochures; on display in billboards, shop windows, and posters; broadcast over television; and organized into slide shows and film strips.  

In photography's early days some of its most eagerly sought images were those brought back by explorers and travelers. These would satisfy people's curiosity about distant places like China, Egypt, and the American West. That same kind of curiosity exists today. People are fascinated with photographs of the surface of the moon, the landscape of Mars, and the appearance of other planets in the solar system.  

Photographs in the mass-communication media have made the faces of political leaders, popular entertainers, and other celebrities familiar to the public. When a newsworthy event occurs photojournalists are there to record it. Photojournalists sometimes spend months covering a story. The result of such labor is often a powerful, revealing picture essay that probes far beneath the surface of events.  

Photography is also essential to the advertising industry. In efforts to sell a product, attractive photographs of the item are used. Photography is also widely used in education and training within the academic world, industry, and the armed services.  

Photographs are also often used in attempts to sway public opinion. Governments, political parties, and special-interest groups have long used the graphic representation and emotional impact of photographs to further their causes. Such use may result in destructive propaganda, such as that of the Nazis during the Third Reich.

Photography can also help to bring about desirable changes. Photographs of the Yellowstone region were instrumental in Congress's decision to establish that area as a national park, and photographs of child laborers helped to bring about legislation protecting children from exploitation.


 

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